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了解爵士

【概述】
在不到一个世纪的时间内，这种名叫爵士乐的音乐，具有显著美国特色的音乐从默默无闻、起源于民间的音乐发展成为美国本土产生的最有份量的艺术种类。如今在全世界几乎每个角落都有人聆听和演奏它，爵士乐以多种形式呈现出繁荣景象，从根源布鲁斯、拉格泰姆(Ragtime)，经过新奥尔良爵士乐到Dixieland爵士乐、摇摆乐、主流爵士、比波普、现代爵士到自由爵士及电子爵士。令人惊异的不是爵士乐以如此众多的形式出现，而在于其每一种形式都相当重要，都保持了自己的特色及独具的魅力而流传至今。如果要欣赏各种爵士乐，体会个中种种乐趣，就不能不需要拥有开放的态度，兼容并听。
　

【寻根溯源】
爵士乐由民歌发展而来，有多种源头，不易仔细考证。19世纪期间音乐是美国南部种植园黑人奴隶们表达自我生活和情感的重要手段。从19世纪末开始，爵士乐以英美传统音乐为基础，混合了布鲁斯、拉格泰姆及其它音乐类型，是一种“混血”的产物。美洲的黑人音乐保存了大量非洲特色，节奏特色明显，而且保留了集体即兴创作的特点。这种传统与新居住地的音乐——大部分是声乐——结合起来，结果诞生的不仅仅是一种新的声音而是一种全新的音乐表达形式。最有名的非洲—美洲音乐是宗教性的。这些优美动人的歌曲白人也听，不过比乡村黑人教堂里演唱的这类歌曲多一分上流社会的味道。今天人们所知道的福音音乐(gospel music)更准确地说是反映了早期非洲裔美洲人的情感力量及旋律感，而不是对二十世纪起初十年中著名的Fisk Jubilee Singers的音乐中宗教性的继承。其它早期的音乐形式包括可以追溯到蓄奴制时代的做工歌曲、儿歌及舞曲，这些都成为重要的音乐遗产，特别要考虑到在当时的制度下，音乐活动受到相当严格的限制。
　

【发展历史】
布鲁斯的诞生在蓄奴制被废，黑奴得到解放以后，非洲—美洲音乐的发展很快。军乐团所弃用的乐器加上新获得的迁徙自由形成了爵士乐的根底：铜管乐、舞曲、布鲁斯。布鲁斯作为一种音乐形式看似简单，实际可以有几乎是无穷的变化，一直是任何一种爵士乐的重要组成部分，而且它成功地保持了自身独立的存在。可以说如果没有布鲁斯就不可能有今天的摇滚乐。简单说明一般布鲁斯的特点就是：它以每八或十二小节为一个乐段的音乐所组成，歌词紧密，它的“忧郁(蓝色)”特色产生的原因是将音阶中的“mi”音及“si”音降了半音。实际上，布鲁斯是作为与宗教音乐相对应的一种世俗音乐形式。铜管乐队和拉格泰姆到了十九世纪八十年代后期，在美国绝大多数南部城市内，都出现了黑人铜管乐队、舞曲乐队及音乐会乐队。与此同时，美国北部的黑人音乐倾向于欧陆风格。在该时期，拉格泰姆(Ragtime)开始形成。虽然拉格泰姆主要是在钢琴上弹奏，但是一些乐队也开始演奏它。拉格泰姆的黄金时代大约是在1898年到1908年，但它的时问跨度实际很大，影响绵延不绝。最近，它又被发掘出来，新的"拉格泰姆"特征是旋律迷人，大量使用切分音，但它的布鲁斯因素几乎荡然无存。拉格泰姆与早期爵士乐联系密切，但可以肯定的是拉格泰姆节奏较为稳定。拉格泰姆最有名的作曲家是Scott Joplin(1868-1917)。其他有名的拉格泰姆大师包括James Scott、Louis Chauvink Eubie Blake(1883-1983)、Joseph Lamb等，其中后者虽然是白人，然而他完全吸收了这种音乐形式的内涵。进入爵士时代拉格泰姆，特别是淡化爵士色彩的通俗风格，其娱乐对象是中产阶级，为正统音乐人士所不喜。爵士最早出现在19世纪末期，但当时还不叫“爵士”(Jazz)，它最初被称为Jass，首先出现在美国南部城市黑人工人居住区内。和拉格泰姆一样，爵士乐最初也是作为舞曲出现的。最早成为早期爵士乐同义词的城市是新奥尔良，这种说法有几分真实，但也有几分夸大。新奥尔良：爵士乐的摇篮新奥尔良在爵士乐诞生及发展过程中扮演了一个关键的角色。在这里，对爵士乐早期的历史研究及记录比在其它地方都进

我与爵士音乐

杜银鲛

（《管乐世界》第 1 期，本文共阅读 777 次）

    我近距离的接触、学习爵士乐，前后已经十多年了，通过一点一点的积累，渐渐品出爵士的味道，爵士音乐越来越明显地影响到我的生活,爵士给我的快乐与愉悦是无以言表的。每当我演奏完爵士乐，在开车回家的路上，总有一种说不出的满足和惬意。我喜欢这种生活，喜欢这种感觉。当人生活在自己所追求的一种方式和精神状态的时候是很幸福的。这十几年来自己对爵士乐生活的每一件事情，甚至是微不足道的小事都记忆犹新――她是我生活的一部分。
    我爱爵士乐！爱和她相关的一切事情。当有一天偶尔从这种生活中走出来的时候，自己吓了一跳。十几年一晃过去了，这时候，欣慰的同时，也意识到前面还有很长的路要走。
    十几年来遗憾的是北京现在还没有一个真正意义上的爵士乐俱乐部。为数不多的爵士乐音乐家由于各种原因，很少能在一起交流和探讨。现在北京日趋国际化，然而卖座不多的爵士乐空间依旧那么狭小。
    尽管如此我还是不愿意听别人说的一句话就是“你在哪干活？”我认为用“干活”来形容JAZZ演出是对其的不理解，最起码不合适。JAZZ面临的问题是国际性的，连JAZZ的发源地美国也是一样----迪厅越来越多，JAZZ的空间越来越小。
    在我心中,JAZZ是完美的，她永远对自己说“NO”，永远要创新，不停地与对昨天的成绩告别，因此它影响了我对音乐的态度,使我每天这么有激情进行练习，爵士已经成为我内心的精神追求的动力。
    最早，在我的音乐世界里，有邓丽君、保罗·莫里哀、詹姆斯·拉斯特等等，当时听到这样的音乐感到令人激动不已。说出来难以置信，那时我可以为他们的一首乐曲激动得彻夜难眠。所以当时养成了一种习惯，只要是自己喜欢的就把它记录下来，至今依然如此。
    当时，来中国演出给我印象很深的乐队有冰岛摇滚乐队、德国的巴普乐队、英国的威猛乐队、日本的笼统组等。
    80年代后

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怎样欣赏爵士即兴？（五）
怎样欣赏爵士即兴？（五）
           GUGU1译自MARK C.GRIDLEY《JAZZ styleS history and analysis》

                    和声行进与主题旋律的结构
   即兴是指创作与表演的同步进行，因此爵士音乐家往往是一边往前演奏一边即席创作的。但大多数爵士（并非全部），是在预先设定的伴奏和声下进行的。乐手们事先就速度、调式、和声行进达成一致，在演奏过程中再以此为基础发展自己的旋律与伴奏。这个事先设定的和声框架通常是取自于大家都熟悉的主体旋律的和声。然而，即兴演奏实际上除了在和声框架上与这段初始的主题旋律有相同之处外，其他基本上无共同之处（爵士乐手经常套用流行乐曲的和声来创作自己的主题旋律，以此作为一个跳板。演出时，先演奏这段自编的主题，然后再以这个和声框架来即兴）。尽管即兴时乐手始终不会忘了这条主题旋律，但他也不会以此旋律的变奏来构成他的即兴。即使你发现乐手的即兴与主题旋律有某种相似之处，这种相似性也是微乎其微的（早期的爵士乐手即兴独奏时倒是以经常不断插入主题旋律的片断而著称）。
      为了更好地欣赏爵士即兴乐手的演奏，了解一下他们所掌握的关于曲式方面的知识以及相关的一些不成文的法则是很有帮助的。这些规则使得乐手们不用彩排就能在一块共同表演：
   1、保持稳定而一致的速度
   2、音乐家掌握大量各种不同调式中的主题旋律
   3、了解这些主题旋律标准化的和弦行进
   4、主题旋律与独奏进行上所遵循的一些传统惯例
   这一章节的剩下部分将着重解释第4条。
   当爵士乐队演奏十二小节BLUES时，通常主题旋律由全体乐手完整地演奏两遍，然后独奏乐手在十二小节BLUES的和声基础上即兴演奏。一个完整的十二小节行进称为一个Chorus，每位即兴乐手独奏都要用上好几个Chorus，当他结束自己的演奏，另一位乐手就接着即兴下去。假如后面的乐手开小差没接上或者前面乐手占用了后面乐手的Chorus，为了保持乐队整体的一致性，和声进行还是照常演奏下去。十二小节的和声行进与曲子的速度是不可动摇的法则，在所有的即兴演奏完成后，整个乐队以重复演奏主题两遍以上结束。
   许多主题旋律都是以四小节或者八小节的形式来创作的，通常每一小节有四拍。为了提示音乐的起始，音乐家用垂直的线来分割乐谱，这条线就被称作Bar Line（小节线），前面我们提到十二小节BLUES时其实已经涉及到这个概念。假如主题旋律由四个八小节构成，那就叫作三十二小节的形式。因为四个八小节加起来等于三十二，每四拍用小节线分割开。
   三十二小节形式最普遍的运用是每两八小节分为一组，一组叫A，另一组叫B（Release、Inside、Bridge、Channel）。A部分连续演奏两遍，然后B部分插入，在紧接着重复一遍A部分。这个次序为AABA。二十年代到五十年成千上万流行的爵士标准曲都采用这一形式。
      当爵士音乐家演奏此形式的主题旋律的话，通常会在即兴独奏前后各演奏一遍这个主题旋律。然后以此曲式的和声行进作为即兴的基础，不间断地重复AABA，就像循环一样AABA AABA AABA......
      当Chorus这个概念被音乐家用来指一段完整的三十二小节AABA式独奏或者十二小节BLUES和声进行的独奏

怎样欣赏爵士即兴？（四）

怎样欣赏爵士即兴？（四）
             GUGU1译自MARK C.GRIDLEY《JAZZ styleS history and analysis》

                               不同形式的即兴独奏
   讲到即兴独奏者的演奏就必须把实际的演奏情景考虑在内，让我们来了解一下三种不同情景下的即兴独奏：单独一件乐器的独奏；在和声乐器伴奏下的即兴独奏；根据和声的转换需要与一定的速度来即兴独奏。为了阐释得清晰些，以下将三种情景下的即兴独奏分开叙述。每种情景下遵循的一些原则并非是一成不变的，不是专属于那种情景的。当然演奏者一般也是不会考虑这些的，他还是以直觉去回应。可以把这三种情景下对即兴独奏的要求看作是一组建立在相互基础上的法则，换句话说，这些法则可以随着演奏人数的增加或音乐形式与角色的增加而相应添加。鉴于第三种形式的即兴独奏是从三十年代延用至今的典型独奏方式，第一种就可称得上是“FREE JAZZ”了。
   假如独奏者是只身一个人即兴演奏，那就不用考虑跟随和弦的变化，他可以演奏任何从头脑中跳出来的东西：
    1、他可以将音符旋律化组织或者
    2、将音符任意地组织
    3、他可以只在一个调中演奏
    4、任意地转调
    5、或根本就是无调性演奏
    6、他可以以某个速度来演奏，将音符区分段落
    7、根本不考虑速度，区分段落
    8、他可以随兴演奏得响一些或柔和些

  假如独奏者在和声乐器（吉他、钢琴等）伴奏下即兴，但是还不用考虑和弦转换与调性时：
    1、他的演奏的音符必须与其他乐器发出的声响相“兼容”
    2、他的演奏不能使整体的音响效果听起来乱糟糟，必须清晰和保持平衡
    3、他必须使音符有前后连续性，这就意味着他要注意自己演奏的旋律线结构，以及自己的旋律线和其他乐手演奏的旋律线之间的关系。他与相同这些乐手合作越多，他就越能够预测出这些乐手不同时候会作出如何反应。这种经验有助于增强他与不同乐手合作时构筑旋律线结构的能力。
    4、他必须调整他演奏的强弱以回应其他乐手，有时需要突然强些或弱些来增强对比。
    5、有时他要充满张力地来演奏旋律，这样可以从整体的音响中凸现出来。
    6、他也要选择时机，为其他成员演奏些辅助的音符与节奏，突出其他乐手。这样才能构成整个乐曲丰富的织体，避免使曲子成为单调的一段独奏。

假如独奏者是在和声转换与一定的速度前提下即兴的话：

怎样欣赏爵士即兴？（三）
怎样欣赏爵士即兴？（三）
             GUGU1译自MARK C.GRIDLEY《JAZZ styleS history and analysis》
                                 三、独奏者
   即兴独奏的乐手在演奏过程中必须注意一些重要的事项。尽管多数时候他也并不总是能清醒地意识到，主要的还是*自己的直觉去回应。许多精彩的爵士即兴乐段大部分都来自于乐手超高速演奏状态下的直觉反应。下列是一些独奏者在即兴过程中必须具备的素质：
   1、记住自己所演奏的曲调通常通常状态下的和弦进行方式。但有时，当独奏乐手加入一场完全是即席的演出或者是一个陌生的乐团，他很可能对所演奏的和声进行就不是很有把握了。他也许熟悉旋律，却对旋律和声的走向不那么肯定。再或者他可能被要求演奏一段曾经记得的曲调，但曲调如何行进却早已忘记了。在这种情况下，他就只有一边即兴一边听节奏部分的演奏来决定和声的行进方式了；乐手通常能猜出一部分和声的进行，因为一些固定的和声模式在其它的曲调中经常重复出现；还能通过聆听其他独奏者的即兴演奏来确定和声。（事实上，甚至独奏者事先知道了曲调的话，也不总是能预测出节奏组的和声行进。一段旋律可以有好多种和声行进的方式，而且还可能截然不同。不断地变换和声行进，或把曲子重新改写和声，在爵士乐中是非常普遍的。）
   2、创造与和声变换相匹配的乐段。爵士乐的类型与独奏者决定了那些音符与和声变换最相匹配。这种相匹配的范畴是很广的，举个例子，四十年代的现代爵士使用的音符基本上与二十年代的爵士不相“兼容”，最终决定使用那些音取完全决于即兴独奏者。
   3、对自己的即兴演奏有所取舍安排，使得每一段即兴都有很清晰的层次感与音乐感。
   4、演奏中超前地构想下一句段，使得每一乐段都能良好地衔接。
   5、记住已经演奏过的内容，避免出现自我重复。
   6、跟随曲子的速度摇摆。所有的爵士即兴演奏者，不管是独奏者还者是节奏组，都能严格地将演奏控制在节拍内。当说到节奏组主要是为乐队稳定节拍时，你或许会认为没有了节奏组，乐曲的节奏就会不稳定，但实际上并非如此。大多数早先的爵士都是跳舞音乐，你会认为节奏组稳定节拍是为了使得节拍明显适合跳舞。其实，即兴独奏者以及其他的乐手都是以大脑这个“节拍器”来准确地控制住节拍的。这种精确控制时间和保持节奏活力的能力，使得独奏者可以在没有节奏组或者节奏组水准很差的情况下人仍能摇摆起来。当然节奏组出色的话，不仅为独奏者的情绪调动起到一个跳板的作用而且还提升了独奏者的演奏。
   7、独奏者要呼应契合节奏组演奏的节奏型，相互间形成地良好的对话，而不仅仅是一个人的“自言自语”。
   8、让你独奏的音量保持一定响度，这样可以从乐队中突现出来使听众听得到。
   9、使用你最理想的音色，保持演奏与乐队整体的和谐。
   10、记住自己独奏的部分有多长，以免占用了其他独奏者的时间。
   11、独奏要符合曲子的氛围。
   12、在曲子演奏中尽量表现出自己个性化和原创性来。
   即兴独奏者要做到每次演奏的乐句完全原创和新鲜是不可能的，每一位爵士音乐家在即兴中都会反复出现一些主题，与其独有的演奏音色一起构成我们识别这位音乐家个人风格的主要依据。学会使用反复出现的主题是乐手一项必须的练习，一位有追求的爵士音乐家通常是有必要收集一些漂亮的“LICKS”（即兴加入的装饰乐句）或者“RIFFS”（重复多遍的短小乐句），当这些细小的东西反复出现在你今后的音乐中时，能帮助你建立起自己的风格来。非常

怎样欣赏爵士即兴？（二）
怎样欣赏爵士即兴？（二）
GUGU1译自MARK C.GRIDLEY《JAZZ styleS history and analysis》
二、爵士乐中的乐器
这一节将对三四十年代之间发展起来的一些爵士乐的基本演奏乐器进行总体的描述，尽管从六十年代开始一些爵士团体在乐器使用上进行大胆地革新并突破了原先一些的严格限制，下面这些将提到的乐器某种程度上说仍然是最为标准化的爵士乐演奏基本配置。
爵士乐是种群体合作的艺术，由独奏组与节奏组共同组成一个群体。节奏组作用是一群乐手通过集体即兴，为独奏者提供伴奏并激励独奏者，他们为独奏者即兴提供一个强力的跳板或有利的音乐背景，可以催生或打断独奏者的情绪。接下来我们就试图讲述一下节奏组中的每样乐器。
节奏组通常由声学贝司（或电贝司）、鼓和一件和声乐器（象钢琴或吉他）组成。假如有风琴（ORGAN）的话，那可以同时代替贝司与和声乐器，因为贝司部分的演奏可以通过风琴的一些足踏板来完成。但实际上大多数的爵士风琴手要同时用左手以及踏板的辅助才可完成贝司部分的演奏，这样当右手弹独奏时，就腾不出手来进行和弦伴奏了。由于上述的缺陷，在许多配备有这种风琴的夜总会演出时逼得一些乐团不得不带上他们自己的手提电钢琴或电风琴。采用这种风琴有一个额外的优点就是可以节省人力，省下一份工钱，因为风琴可以同时演奏贝司低音与和声。
BASS
   贝司手通常是通过每节拍上弹拨单音并不定时地加入装饰音来进行演奏的。许多贝司手都强调每小节中的二、四拍，这样来构成一种摇摆的感觉。贝司手为乐曲提供稳定的节拍并带来弹跳感，从而使自己成为乐团低音部的注册标志。这种风格的演奏被成为WALKING BASS。贝司手演奏的音符都是和声进行中的关键音或者是和弦的相对音，贝司通过演奏那些关键音标明了和声的进行。好的WALKING  BASS可以自己形成优美的旋律线。实际上，一些独奏者也认为WALKING BASS是节奏组中最关键的部分。他们可以没有鼓与和声乐器的伴奏，也不能没有WALKING BASS。
   贝司手在演奏中也有一系列特殊的技巧。有时贝司手会同时拨两根弦进行演奏，这叫做“DOUBLE STOP”；或者也会象吉他手一样同时拨四根弦。在交响乐团，贝司的发声通常是像锯木头一样通过弓拉出来的，这种技巧叫做“ARCO”，不要与手指弹拨混淆，手指弹拨技巧叫做“PIZZICATO”。尽管大多数贝司手都能用弓演奏，但实际上使用弓演奏的场合很少。
   贝司手在乐曲的间歇处进行旋律演奏，就像是在与乐队的其他成员对话（这些间歇被叫做“BROKEN TIME”）。六十年代后的团，这些间歇处的旋律演奏对贝司手来讲比保持节拍要更显重要。贝司手的角色在开始转换，这时期贝司手开始参与乐器与乐器间的音乐对话，就像DIXIELAND时期小号、长号、单簧管之间的相互即兴演奏一样。在这时期，贝司手与传统上相比演奏旋律的机会更多，当他们从传统的WALKING风格中解放出来后，贝司的伴奏节奏也异常丰富起来（可以留意一下BILL EVANS TRIO唱片中的贝司部分演奏以及WEATHER REPORT的第一张专辑COLUMBIA PC 30661）。
PIANO
     钢琴手通常是以切分的方式来演奏和声，用和声与节奏来丰富支持独奏者的演奏。这些和弦通常处于钢琴键盘的中音区，因为这些音符容易被人耳听到。钢琴手为独奏者伴奏衬底，术语上叫做“COMPING”。演奏和声节奏时，钢琴手用双手“COMPING”；碰到钢琴手自己的独奏部分时，他会用左手“COMPING”，右手弹旋律线。
   “COMPING”也是一种即兴的演奏，起到提升独奏的效果。有时也用来启发独奏者，为其提示独奏的和弦与节奏。当独奏乐手在演奏中突然改向，钢琴手的“COMPING”也必须瞬间同步回应。即当独奏乐手的旋律中提示一系列特殊的和声时，钢琴手必须马上跟随适应，即便是这些和声进行对于这首曲子来讲是不典型的或者乐手间事先并未说好的。钢琴手在“COMPING”的过程中必须要有创造力，但又不能挡住独奏乐手的道。这是项高难度的工作，要求乐手有很强的敏锐性与辨别力。某些时候当钢琴手觉得没有伴奏的独奏会效果更好的话，他也会在曲子中间停下不弹。钢琴手的“COMPING”也要与鼓手相呼应。节奏组的各成员主要职责是为旋律节奏不断变化的独奏乐手的即兴